Biografie

1953 geb. in Wien

1973 – 1978 Akademie der bildenden Künste, Wien, Meisterklasse für Malerei

1978 Diplom

1981 – 1985 Hochschule für künstlerische und industrielle Gestaltung, Linz, Meisterklasse für Keramik

1985 Diplom

seit 1979 Mitglied des Kunstverein Baden

seit 1985 freiberuflich in Baden bei Wien tätig

1996 – 2000 Obfrau des Kunstverein Baden

Mitglied bei Bildrecht

2021 „betwixed and between“ KV Baden und Paralell Vienna

2021 „ Analog“ Österreichische und internationale Keramik der 80er Jahre Schrems

2020/21 „WAS KOMMT“  KV Baden Wohnzimmer

2020  „BE Genius“  KV Baden

2019  „Liebe und Politik“ Kunstverein Baden, Baden

2018 „artist in residence“ Bildhauersymposium  Krastal, Kärnten

2018 „Quadrat“ KUNST:WERK, St. Pölten

2018 „MESH“ Galleri Rostrum, Malmö, Schweden

2017 „Freiheit – protect us from what we want“ Kunstverein Baden, Baden

2017 „Ahead of the Game“ Künstlerhaus Klagenfurt, Klagenfurt

2017 „Keramik aus Leidenschaft“ NÖDOK füer moderne Kunst, St. Pölten

2016   Kulturwerkstatt10, Fürstenfeldbruck, Bayern

2015/16 „5th Biennal Exhibition of drawings Serbia” Belgrad, Novi Sad

2015 „100 Meisterwerke“ Kunstverein Baden

2015 „Dis/Order   Vom Wesen dynamischer Systeme“ Kunst im öffentlichem Raum   100 Jahre KV Baden

2015 „Salzburger Keramikpreis „ Galerie im Traklhaus, Salzburg

2014 „235 km/100 years“ Part of Danube Dialogues, Contemporary Gallery Zrenjanin, Serbien

2014“Sensing the mind-Minding the sense“ Kunstverein Baden

2010 „Salzburger Keramikpreis“ Galerie im Traklhaus, Salzburg, Gmunden, Wien Heiligenkreuzerhof

2010 „to connect“ Haus der Kunst, Baden

2008 Kunsthalle Tatabanya, Ungarn

2007 „Off and go“ Kunstverein Baden

2002 „Linzer Augen“ OÖ Kunstverein, Ursulinenhof, Linz

2002 „ looking over the border“ Kunsthalle Szombathely, Ungarn

2000 „Kunstverein Baden“, Breslau, Polen

1999 „Kunstverein Baden“ Kölner Kunstverein, Köln

1999 „233 m über dem Meeresspiegel“, Kunstverein Bozen, Bozen

1999 „Bestandsaufnahme“ Kammerhofgalerie, Gmunden

1996 „Badewetter“ Kunsthaus Frauenbad, Baden

1996 „Keramik-Skulptur, Körper-Volumen“, Hipphalle Gmunden

1996 „Lichtwege“ Weihnachtsbeleuchtung Wassergasse Baden

1995 „Donald Judd and artist friends“ Galerie nächst St. Stephan, Wien

1994 „2. Internationale Keramikbiennale Kairo“, Kairo

1992 „Kleine Skulpturen“ Galerie Menotti, Baden

1991 „Neue österreichische Keramik“, Galerie an der Stadtmauer, Villach

1991 „Configura“ Erfurt

1991 Ceramic Arts gallery, Wien

1990 DOK St. Pölten

1990 „Plast, Gefäss und Entwurf,“ Galerie auf der Stubenbastei, Wien

1990 „1. Internationales Seminar“, Gaia, Portugal

1990 „Zeitgenössische Keramik aus Österreich“ Keramion Museum, Frechen

1990 Eröffnungsausstellung der Galerie ceramic arts, Wien

1989 „L´Europe des ceramistes“ Auxerre, Wanderausstellung durch Europa

1989 „Konfrontationen“ Messepalast, Wien

1988 „De clii Galerie“, Glarus,Schweiz

1987 „4 x 1“ Künstlerhaus Palais Thurn und Taxis, Bregenz

1986 „Kunstformen jetzt“ Salzburg

1986 Art Gallery Keramikstudio Krugerstraße, Wien

1986 Österreichisches Kulturinstitut, New York

1985 „Romulus Express“ Galerie Insam, Wien

1984 „12 Keramikerinnen aus Österreich“, Galerie Ludwig, Hannover

1983 „3. Römerquellewettbewerb“, Galerie auf der Stubenbastei, Stadthaus Klagenfurt, Neue Galerie der Stadt Linz

1983 Kulturinstitut Kairo, Agypten

1982 Wraxhall Gallery, London

1982 Galerie an der Stadtmauer, Villach

1981 Künstlerhaus Palais Thurn und Taxis, Bregenz

1980 „65 Jahre Kunstverein Baden“, Kunsthaus Frauenbad, Baden

1980 Galerie Zweymüller, Baden

1980 „ 17. Österreichische Graphikwettbewerb Innsbruck“, Wanderausstellung

1980 „Österreichische Keramik 1900 – 1980“ Wanderausstellung

1980 Kleine Galerie,Künstlerhaus Klagenfurt

1979 „16. Österreichische Graphikwettbewerb Innsbruck“, Wanderausstellung

1978 Galerie Würthle, Wien

1976 Galerie Maier, Innsbruck

1991 Anerkennungspreis des Landes NÖ

1992 Kulturpreis der Stadt Baden

1993 Salzburger Keramikpreis, Preis des BM für Unterricht und Kunst

2005 Einladung zum internationalen workshop in Yeoju, Korea

Renée Gadsden
The Garden of Earthly Delights

Altissima quaeque flumina minimo sono labiuntur
(Still waters run deep)

– Quintus Curtius Rufus
History of Alexander the Great
(Book VII, chapter 4, paragraph 13)

Martina Funder is looking for freedom. She approaches each new person, situation and event with an attitude of attentive watchfulness. Inspiration for her art, Funder is proud to explain, comes only from her every day encounters. Her work is not pretentious, nor does it proselytize. Funder supplies us with seemingly simple renderings of things as they are, filtered through her artistic and emotional eye. She has invented a language based on intuitive rules, logically and systematically applied, although not necessarily discernible to the viewer’s gaze.

Her first formal training in art was at the Academy of Fine Arts Vienna under Gustav Hessing in the master class for painting. The emphasis was on looking directly and intensely at nature, and following what was revealed there. This strictness of approach has remained a major influence in Funder’s way of handling her preferred medium of expression, ceramics. She says that this background in drawing causes her to use clay in an architectonical way, applying concepts of above and below, thinking in grids, lines and structures. This can be seen clearly in works such as Die Mauern (The Walls, 2008), where she molded and bent the clay as if she wanted to draw with it, or in Panorama (2010), long rows of thin ceramic jagged peaks, which give form to an experience of looking out at foggy mountains in the distance at a high altitude.

Her interest in the aspects of art that could be discovered through academic discipline led her further to the University of Art and Design Linz, to study ceramics with Günther Praschak. After these study times living in Vienna and Linz, she set up her home and studio in Baden near Vienna, where a spacious garden and atelier rooms provide ample ground for her ceramic ovens, music instruments, easels and painting materials, and all the other tools of her trade. Funder herself is a drawing instructor, and holds classes and workshops in ceramics. She tries to be as sensitive to her students as she is to her inner voice, remarking that although her education provided her with the skills to use materials to achieve artistic goals, the emancipation process from what she learned at university has been a lifelong struggle. With a smile, she wonders aloud if perhaps it would have been better not to have indulged in formal training at all.

This kind of subtle irony can be seen in sculptures such as Der verkaufte Berg (The Sold Mountain, 2013) which was inspired by the desperation of Austrian villages in a time of economic crisis for income and the relentless greed of companies hungry for marketing opportunities. Some few years ago, in southern Austria, mountain peaks were “sold off”. The historical name of the mountain was replaced with a company name in exchange for badly needed cash injections into the municipal treasuries. The title Der verkaufte Berg also consciously evokes the title of Bedrich Smetana’s brilliant 19^th century social commentary, the opera Die verkaufte Braut (The Bartered Bride).

Funder has a critical view of the machinations of today’s global markets, and comments on them in her very personal way in works such as Taro; taro is a “worthless” plant that grows on the sides of the road in southern India and serves as food for the poorer segments of the population. Badener Wadln (Baden Calves, 1996) was inspired by the many thick and sturdy legs of the overfed visitors that parade on the Baden City Beach in summer. In this piece, without being overtly political, Funder still manages to comment on the situation in Baden itself, a place struggling to find a new identity beyond the narrow boundaries of its history as a Biedermeier watering hole turned 21^st century spa town for those suffering from often self-induced lifestyle diseases (Zivilisationskrankheiten). In the work Über den Tellerrand schauen (“Look Beyond the End of One’s Nose”, 1996) Funder once again emphasizes the need for us, in the West, to gain meaningful perspectives on the world at large.

In her ceramics, one can witness a range of clay and techniques that testify to Funder’s joy in experimenting, although she claims not to be a ”material fetishist”. Porcelain she avoids as being too fragile, but has experimented with engobe in her 1995 Bonbon series. Funder plays consciously with the coloration of her objects through skillful manipulation of the temperature in the ceramic ovens during firing. She knows her area of interest in depth, not only as an artist but also as a craftsperson. She is a designer and builder of tile stoves. Such masonry heaters are small masterworks of ceramic ingenuity and know-how, each one unique. Funder learned this skill at the Fessler Oven and Fireplace Manufactory, a potter’s workshop founded in the Baroque era that was a purveyor to the imperial and royal Austrian court. It is still run by the founding family today – the family of her mother’s forbearers. She lived in the center of Vienna at the Fessler workshop on Mozartplatz while studying at the fine arts academy.

Although her works once described by her ceramics professor as “brittle, stand-offish” (spröde), this is a misleading observation. Martina Funder does have very passionate sides. True to her nature, however, she feels no need to display these sides of herself in obvious ways. She is a relentless wanderer, a seeker after truth in herself and in the world around her. When not at work in her studio, or with her family, friends or students, you can probably find Funder on the way to the top of a mountain. She looks for the deeper, higher, more profound view, in herself and in nature. She wanders the mountain landscapes of her native Austria, and prefers to make many day and week foot marches into the heart of the wilderness. She has explored the delta of the Danube for weeks at a time on several different occasions. The terrains of Nepal, India, Tibet, Egypt, Morocco and her newest exploratory destination, Peru, are all absorbed into her consciousness in a very direct way: slowly, through the sensation and effect of the landscape on her body. Insights into the soul of hiking gained as a result of walking.

Martina Funder becomes impassioned when she describes herself as being captivated by forms. Certain forms take possession of her and don’t let go until she has processed them in her art. She emphasizes the haptic aspect of her approach: “Ich könnte nie mit einem Material arbeiten, das ich nicht angreifen kann” (I could never work with a material that I couldn’t touch). Her work is always about what she has experienced (“Was ich darstelle, hat dann immer mit Erlebten zu tun”). For example, Sturmäste (Storm Branches, 1991) and Astplatte (Branch Platter, 1992) depict cut off tree branches and limbs that represent how Funder felt after a knee operation. Gargoyles and nightmares are evoked by her Grausige Schädel (Horrible Heads, 2013), heavy ceramic skulls in dark colors with eerie and slightly threatening knobs and protuberances. This work was evoked by the frightening and sad process of witnessing her mother succumb to Alzheimer’s disease.

We also often see in her oeuvre the sensations and experiences of her immense and prolonged wanderings. Funder defines Seegras (Sea Grass, 1996) as giving her a feeling of ease in the water as the wind moves across it. She also likes to play with the scale of the objects she observes. The Ahornsamen (Maple Tree Seeds, 2003) or the Tulpenziegel (Tulip Tiles, 2001) are many times larger than their original counterparts. Funder explains that this magnification is her way to pay homage to the beauty of nature (“Ich setze dem Löwenzahnblatt wegen seiner tollen Form ein Denkmal, indem ich es vergrößert habe”). The 2006 Gewickelt (Colied) series (such as Nicht links gewickelt; Nicht links gedreht; Cut, Gedreht, Gewickelt /Not Coiled to the Left; Not Turned to the Left; Cut, Turned, Coiled), small white ceramic forms, coiled and rolled and set tightly together on a platter, are a direct interpretation of the stylized lion’s manes she saw on temple statues in Nepal.

In her extensive photographic oeuvre, Funder combines her passion for experiencing nature firsthand with her artist’s eye as well. When she travels, a camera is her companion as well as a sketchpad. The photographic documentation of her global ramblings is lovingly organized in bound books that line the shelves of her study. Common issues and the ordinary in extraordinary places characterize Funder’s photography, a William Eggleston approach to the trivial and banal. A close examination shows how thoroughly chosen are the compositions of seemingly random situations and scenes. She adjusts himself to whatever comes across her camera, and in doing so cuts out a small piece of reality, transforming it into a work of art because of its individual and unique perspective. The most delightful aspect of these photo books are that they are private memory grazing grounds, little cabinets of curiosities intended only for Funder’s own perusal, not for exhibition or public display. She also writes travel diaries, which she also only uses for her own reflection.

Perhaps Martina Funder is somewhere deep inside inspired by her great-grandfather Ludwig Funder, a confectioner from Graz who made a journeyman’s walking tour throughout Europe from 1862-1869. He wrote down his experiences, which were published under the title Aus meinem Burschenleben (From My Lad’s Life). The historian Michael Mitterauer has called the account “völlig banalen Alltag eines Zuckerbäckers” (a fully banal everyday life of a confectioner), but for other sensibilities, it is an exhilarating peak into one man’s confrontation with adventure, curiosity and ardor. At the very latest since the Jeff Koons created the 1988 sculpture series Banality, it is clear that embracing the quotidian is an aspect of contemporary art that cannot be thought away anymore. Funder is not afraid to do so, and fearlessly and consistently produces works that embody the philosophy of E.F. Schumacher, inspired by his mentor Leopold Kohr, that “small is beautiful”. She describes herself as an optimist who has few material goods, but is deeply satisfied with her life. Her grandfather, the Catholic publicist Friedrich Funder, strived in his efforts to encourage people to search for inner peace and harmony with one another. His books line her shelves, in between other writers whose thoughts have helped shape her approach to art, such as Fernand Braudel’s Der Alltag, or Christa Busta’s Einsilbig is die Sprache der Nacht, or Cecilia Lindqvist’s seminal study of the Chinese culture of writing, Eine Welt aus Zeichen. When asked what her perspective is on Catholicism, Funder answered, totally refreshingly: “Alles ist so schön, alles was ich sehen kann. Ich möchte das festhalten, um es allen zu zeigen” (Everything is so beautiful, everything that I can see. I want to capture that to show everyone).

Considering that Martina Funder has so much family history to carry makes her almost naïve and direct ceramic works even more enjoyable. She has a deeply rooted sense of self that carries over into her art with quiet dignity. She lets us discover small moments of wonder, as if with the eyes of a child: “Etwas Schönes entdecken und es dann auch mitteilen zu können, dieses Wollen treibt mich zu mener Arbeit an”. Martina Funder is a quiescent artistic oracle, enhancing our perception of the marvels of this garden we all share, the garden of earthly delights.

Hartwig Knack
Drei wesentliche Aspekte der keramischen Arbeit von Martina Funder

Das facettenreiche Formenrepertoire von Martina Funders Keramiken reicht vom Linear-Geometrischen bis zum Organisch-Vegetabilen. Die Oberflächenbeschaffenheit ihrer Objekte ist rau oder grob, glatt oder glasiert. Die Natur mit ihrer Fülle an Mustern, Rhythmen und Farben, liefert der Künstlerin immer wieder aufs Neue Impulse für ihre Kunst. Dabei integriert Funder in ihre Werke immer tagesaktuelle Themen aus Politik und Gesellschaft, die sie betreffen oder betroffen machen.

So erinnern manche Werke der Künstlerin einerseits an modulare Stahlkonstruktionen, wie sie in der Hochhausarchitektur Verwendung finden, andererseits scheinen sie abstrahierte Abbilder organischer Formen zu sein. Funder spielt mit dem vermeintlichen Gegensatzpaar des Organischen und Geometrischen, stellt Zusammenhänge und Analogien her und versucht, ordnend einzugreifen. Heraus kommen Werke wie etwa “Units aus Korea“, eine Arbeit, die als ein kritischer Verweis auf den bereits über zwei Jahrzehnte andauernden Bauboom in weiten Teilen Asiens gelesen werden kann. Bauern wurden systematisch von ihrem Land vertrieben und unzählige Wanderarbeiter versklavt. Die Arbeit “Modul 1-2-3“ zeigt einen Blick in die Regelmäßigkeit und Symmetrie eines mathematisch durchkonstruierten Körpers und weckt Assoziationen zu einem monumentalen Stahlbeton-Skelettbau. Ein Blick, der durchaus auch dem Inneren einer biologischen Zellstruktur entlehnt sein könnte.

Martina Funders Objekte erschließen sich grundsätzlich erst auf den zweiten Blick. Ihre Motive findet sie im Alltag. Aus zunächst interessant erscheinenden Themen und Fundstücken entwickelt sie ihre Ideen. Knospenkugeln, vom Sturm abgebrochene Äste, ein Holzscheit und ein Löwenzahnblatt erlangen durch Transformations-prozesse und Dimensionsverschiebungen zu plastischen Keramiken neue haptische Qualitäten und gewinnen veränderte inhaltliche Ebenen. So war zum Beispiel ein Presseartikel Anlass für die Künstlerin, sich kritisch zu Auswüchsen des Kapitalismus zu äußern: Als die Wiener Tageszeitung “Der Standard“ 2001 über Neuseeländische Obstbauern berichtete, die im Begriff waren, eine neue Kiwi-Sorte mit rotem Fruchtfleisch für den weltweiten Markt zu züchten, entwickelte Funder spontan ihre Arbeiten “Gelber Kiwiziegel“ und “Globalisierte Kiwis“ in den Farbnuancen gelb, dunkelrot, dunkelgrün, bronze, schwarzmatt, rot und schwarzglänzend. Die Künstlerin ironisiert damit die Strategien der Werbebranche, indem sie ihrerseits eine erweiterte Farbpalette als aufreizende Neuigkeit präsentiert. So persifliert Funder einen der vorrangingen Wesenszüge des Kapitalismus, die maximale Gewinnorientierung durch Entwicklung vermeintlich neuer Waren.

Als Lebenszeichen, als Spiegel von Schnelligkeit, aber auch als Metapher von Ruhe und Rationalität ist die Linie in allen Kulturkreisen bekannt. Ganz frühe künstlerische Äußerungen des Menschen sind schon linear ausgeführt: Denken wir nur an die Felszeichnungen der Urmenschen. Jeder von uns hat als Kind in Strichzeichnungen seine ersten Erlebnisse auf Papier gekritzelt. Die Linie, die Grundlage jedes menschlichen Gestaltens ist, begleitet auch viele Werke Martina Funders. Manchmal orientiert sich die Künstlerin am Vorbild der Natur wie etwa in der Arbeit “Panorama“, wo sie sich von der Stimmung nebelverhangener Hügelketten vor der Kulisse eines Sonnenaufgangs hat inspirieren lassen.

In anderen Werken bezieht sich ihre Linie auf symmetrische Muster und Strukturen wie bei einem tamilischen Kolam, einer Zeichnung, die Frauen im Süden Indiens auf dem Boden vor ihrer Haustür zum Schutz vor bösen Geistern regelmäßig erneuern. In der Arbeit “Pongal“ hat Funder versucht, die flachen Linienstrukturen eines Kolams ins Dreidimensionale zu überführen. Die gesetzten roten Streifen („Die Gestreiften“) erinnern an die farbliche Gestaltung einiger hinduistischer Heiligtümer, auf die die Künstlerin während ihrer Studienreisen durch Indien, Nepal und Tibet gestoßen ist. Funder geht es hier zudem um das Verhältnis von Fläche und Raum und wie Streifen Einfluss ausüben auf die menschliche Perzeption.

Sowohl in ihrer vegetabilen Formensprache wie auch in den architektonisch anmutenden Strukturen wirken die Objekte Martina Funders äußerlich beruhigt und ausgewogen. Und doch spürt man die intensive innere Kraft, die aus dem Kern der Keramiken nach außen drängt. Die Künstlerin schafft es, auf inhaltlicher wie formaler Ebene das Spannungsverhältnis zwischen ruhender geometrischer Form, der Konstruktion statischer Kompaktheit, organisch-vitalem Bewegungsdrang und gegenständlichem Bezug permanent aufrecht zu halten.